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bienvenidos a la república independiente de san juan (hum's home)

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NO ME CANSO DE QUITARME EL SOMBRERO

(¿DESDE HARÁ UN MES MÁS O MENOS?)

HA MUERTO UN MITO

Muere el Fary a los 69 años de edad
José Luis Cantero padecía un cáncer de pulmón desde hace varios años

Jose Luis Cantero, (nacido el 20 de agosto de 1937, en Madrid, fallecido el 19 de junio de 2007), conocido profesionalmente como El Fary, era un actor y cantante español. José Luis Cantero nació en una familia humilde, venida de Buenache de Alarcón (Cuenca), en el barrio de Las Ventas en Madrid, cerca de la plaza de Toros. De niño solía faltar a la escuela, prefiriendo pasar el tiempo imitando a su ídolo, el cantante de copla Rafael Farina. Fue de Farina que El Fary tomó su nombre. Antes fue conocido en su barrio como «El Farina de Ventas» por su afición a imitar su cantante favorito y a otras estrellas de la copla española.
Antes de tener éxito, El Fary trabajó como jardinero y taxista para reunir el dinero que le permitió grabar sus primeras canciones. Una vez grabados y editados los discos, él mismo los vendía en el Rastro de Madrid. En esa época también participaba en competiciones de cantantes en la radio y actuaba en fiestas locales. Fue a partir de los 30 que el Fary empezó a ganar dinero como cantante cuando fue llamado a Pozoblanco Córdoba (España) para sustituir a otro cantante (Pepe Blanco). Más tarde, el legendario Antonio Molina lo contrató para una gira de dos meses.
En los años 1970 la copla cayó en desgracia con el público español, pero eso no desanimó a El Fary y hacia finales de la década estaba grabando canciones más pop, que subieron a las listas de éxitos españolas.
En los años 1990 El Fary consiguió el éxito en el mundo de la televisión, cuando protagonizó la serie Menudo es mi padre en el papel de un taxista. El papel se hizo a medida para él, e incluso el título de la serie era un juego de palabras con la estatura de El Fary.
Durante esta época, estuvo sujeto a especulaciones y rumores sobre la drogadicción de su hijo y el maltrato de su mujer. A pesar de que la publicidad sensacionalista de su vida privada pudo resultar desagradable, lo mantuvo en la consciencia del público durante bastante tiempo.
Hacia el fin de la década, su carrera se vio de nuevo impulsada cuando el director de cine Santiago Segura estrenó su comedia Torrente: El brazo tonto de la ley. El protagonista, José Luis Torrente (papel realizado por el mismo Santiago Segura), es un policía maleducado, racista, machista y corrupto que es fan de El Fary. La película contenía una canción de El Fary especialmente grabada y que se titulaba Apatrullando la ciudad. Tanto la canción como la película fueron un éxito, que llevó a grabar dos secuelas, de las cuales Torrente 2: Misión en Marbella. En 2005 El Fary realizó una pequeña intervención en Torrente 3: El Protector, la tercera entrega de la serie, interpretándose a sí mismo. Además, se realizó una pieza de merchandising única: el Carrofary, una pequeña figura de goma del cantante diseñada para ser colgada del espejo retrovisor del coche.
Ha apadrinado a varios artistas jóvenes como Melody o, a su propio hijo, Javi Cantero, ambos cantantes de pop.

Paseaba por aquí ...

Aquí, otra vez. No había olvidado, cada mañana me acordaba de ti. Aquí estabas y yo haciendo de las mías, sin pasar cuentas por aquí, sin dejar rastro de lo vivido, despistada. Pero no me he ido, estoy aquí. Pleno mes de junio, no sé todavía como ha llegado. Cuantas cosas han pasado. Perdí otras por el camino. Y aquí estoy. Podría buscar canciones desesperadas, poemas de venganza, rimas de locura, refranes cínicos, imágenes sugerentes. No he parado de explorar. Ni de reír. No he parado de reír. Estoy escribiendo una tesis. Eso me quita tiempo. El ocio también, no el vicio.

Pero pasaba por aquí y dije, párate y saluda, nena, que los conoces. Conoces tu todo en negro, eres todo en negro. Y el que inventó un juguete no puede dejarlo allí, abandonado, no puede crearlo para que se cubra de polvo. Aquí estoy, con (un taladro fuera de campo) mis ganas infinitas de vivir lo inesperado, no me olvido que aquí lo dejaba plasmado. Should I give up? I try to understand. Miles de cosas me vienen en mente, no he parado. No he parado de extenderme. Expansiones en línea y en redonda. Si me deteniera a dar las gracias, te las daría a ti, y a mi, que no es poco.

después

Ilegales

El Piloto
Composição: Desconhecido

Nueva York-París 1927.
6.000 kilómetros vuelo de prueba.
Despegó de Nueva York
desapareció en la niebla.
Un avión vuela sobre Manhatan.
En el aire hay una brisa fastidiosa,
dentro del avión no hay paracaídas.

Suerte Mr. Bendenberg no hay paracaídas.(6 veces)

27 horas de vuelo sobre el mar,
fácil perderse en el Atlántico.
Ahora vuela a vida o muerte
un avión con un sólo motor.
Irlanda, Inglaterra, el Canal de la Mancha,
no hay que pensar en pilotos muertos.

Suerte Mr. Bendenberg no hay paracaídas.(6 veces)

Desde lejos luces en París.
En el aeropuerto buen recibimiento.
Lo has conseguido brindemos con champán.
Toda esa pasta, toda esa fama.
Abajo en el Atlántico los pilotos muertos,
no hay que pensar en pilotos muertos.

Suerte Mr. Bendenberg no hay paracaídas.(6 veces)

"Cuando me dicen que soy demasiado viejo para hacer una cosa, procuro hacerla enseguida." - Pablo Picasso

THE ZIMMERS

The zimmers es un nuevo grupo de rock con una media de edad de 80 años. La voz principal pertenece a Alf, de 90 años pero incombustible, cuyo modus vivendi se resume en esta frase: "Espero morirme antes de hacerme viejo". Aunque tampoco debemos obviar que en la banda podemos hallar miembros que sobrepasan la centena pero, a pesar de su edad, muestran una vitalidad sorprendente que querrían para sí algunos mozalbetes que podrían ser sus bisnietos.The Zimmers serán los protagonistas de un documental que emitirá la BBC el mes que adviene. El proyecto nació de la mano del director Tim Samuels, el cual ha ido acogiendo a varias personas mayores que estaban aburridos en sus casas tal y como si fueran muebles, e incluso buscó posibles miembros de la banda entre la indigencia de las calles londinenses. A partir de ese instante les ayudó a dar los pasos para integrarse de nuevo entre la selva de la sociedad mediante la música.
Una de las canciones, "My generation" de los Who, ha sido grabada en los legendarios estudios de Abbey Road, producida por Mike Hedges (U2, Dido, Cure), y el ámbito de la filmación ha sido tratado por Geoff Wonfor (Band Aid, Beatles Anthology).

PARTES DE BERTOLT BRECHT

CANCIÓN DE LA PROSTITUTA

Señores míos, con diecisiete años
llegué al mercado del amor
y mucho he aprendido.
Malo hubo mucho,
pero ése era el juego.
Aunque hubo Cosas que sí me molestaron
(al fin y al cabo también yo soy persona).
Gracias a Dios todo pasa deprisa,
la pena incluso; también el amor.
¿Dónde están las lágrimas de anoche?
¿Dónde la nieve del año pasado?

Claro que con los años una va
más ligera al mercado del amor
y los abraza por rebaños.
Pero los sentimientos
se vuelven sorprendentemente fríos
si se escatiman tanto
(al fin y al cabo no hay provisión que no se acabe).
Gracias a Dios todo pasa deprisa,
la pena incluso; también el amor.
¿Dónde están las lágrimas de anoche?
¿Dónde la nieve del año pasado?

Y aunque aprendas bien el trato
en la feria del amor,
transformar el placer en calderilla
nunca resulta fácil.
Pero, bien, se consigue.
Aunque también envejeces mientras tanto
(al fin y al cabo no siempre se tienen diecisiete.)
Gracias a Dios todo pasa deprisa,
la pena incluso; también el amor.
¿Dónde están las lágrimas de anoche?
¿Dónde la nieve del año pasado?

DEBILIDADES

No tenías ninguna,

yo sólo una,

que amaba.

De películas que te prestan, BLADE RUNNER.

Los personajes del cyberpunk clasico son seres marginados, alejados, solitarios, que viven al margen de la sociedad, generalmente en futuros distopicos donde la vida diaria es impactada por el rápido cambio tecnologico, una atmosfera de información computarizada ubicua y la modificación invasiva del cuerpo humano. LAWRENCE PERSON

Blade Runner es una película de ciencia ficción estadounidense, dirigida por Ridley Scott, estrenada en 1982 y basada en la novela de Philip K. Dick ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? (Do Androids Dream of Electric Sheep? (1968)). Se ha convertido en un clásico de la ciencia ficción y precursora del género cyberpunk (Lo que se entiende como un un subgénero de la ciencia ficción, conocido por su enfoque de "Alta tecnologia y bajo nivel de vida" -High tech, Low life- y toma su nombre de la combinación de cibernética y punk. Mezcla ciencia avanzada, como las tecnologías de la información y la cibernética junto con algún grado de desintegración o cambio radical en el orden social. ). Obtuvo dos nominaciones a los Oscar. La película transcurre en una versión distópica de la ciudad de Los Ángeles, EE.UU., durante el mes de noviembre de 2019.
El guión, escrito por Hampton Fancher y David Peoples, se inspira libremente en la novela ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? de Philip K. Dick. El reparto se compone de Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young, Edward James Olmos, M Emmett Walsh, Daryl Hannah, William Sanderson, Brion James, Joe Turkel y Joanna Cassidy; el diseñador principal fue Syd Mead y la música original fue compuesta por Vangelis.
La película describe un futuro en el que seres fabricados a través de la ingeniería genética, a los que se denomina replicantes, son empleados en trabajos peligrosos y degradantes en las "colonias exteriores" de la Tierra. Estos replicantes, fabricados por Tyrell Corporation para ser "más humanos que los humanos", especialmente los modelos Nexus-6, se asemejan físicamente a los humanos — aunque tienen mayor agilidad y fuerza física — pero carecen de la misma respuesta emocional y de empatía. Los replicantes fueron declarados ilegales en el planeta Tierra tras un sangriento motín. Un cuerpo especial de la policía — los blade runners — se encargan de rastrear y "retirar" (i.e., matar) a los replicantes fugitivos que se encuentran en la Tierra. Con un grupo de replicantes particularmente brutal y hábil suelto en Los Ángeles, un dubitativo Deckard es invocado desde su semiretiro para que use algo de "la vieja magia blade runner".

En la ciudad de Los Ángeles, en noviembre de 2019, Rick Deckard (Harrison Ford) es llamado de su retiro cuando un Blade Runner excesivamente confiado —Holden (Morgan Paul)— recibe un tiro mientras llevaba a cabo la prueba Voight-Kampff a Leon (Brion James), un replicante fugitivo.
Deckard, dubitativo, se encuentra con Bryant (M. Emmet Walsh), su antiguo jefe, quien le informa que la reciente fuga de replicantes Nexus-6 es la peor hasta el momento. Bryant le informa a Deckard acerca de los replicantes: Roy Batty (Rutger Hauer) es un comando, Leon es soldado y obrero, Zhora (Joanna Cassidy) es una trabajadora sexual entrenada como asesina y Pris (Daryl Hannah) un 'modelo básico de placer'. Bryant también le explica que el modelo Nexus-6 tiene una vida limitada a cuatro años como salvaguarda contra su desarrollo emocional inestable. Deckard es acompañado por Gaff (Edward James Olmos) a Tyrell Corporation para comprobar que la prueba Voight-Kampff funciona con los modelos Nexus-6. Ahí, Deckard descubre que Rachael (Sean Young), la joven secretaria de Tyrell (Joe Turkel) es una replicante experimental, con recuerdos implantados que le permiten contar con una base emocional.
Deckard y Gaff allanan el apartamento de Leon mientras él y Roy obligan a Chew (James Hong), un diseñador genético de ojos, a que les envíe con J.F. Sebastian (William Sanderson), pues él les puede permitir llegar a Tyrell. Más tarde, Rachael visita a Deckard en su apartamento para probarle que ella es humana, pero huye llorando al enterarse que sus recuerdos son artificiales. Priss conoce a Sebastian y se aprovecha de su bondad para lograr entrar en su apartamento.
Las pistas encontradas en el apartamento de Leon llevan a Deckard al bar de Taffy Lewis (Hy Pyke), lugar en que la tatuada Zhora realiza su espectáculo con una serpiente. Zhora intenta desesperadamente huir de Deckard por las calles atestadas de gente, pero Deckard logra alcanzarla y la "retira". Tras el tiroteo, Gaff y Bryant aparecen e informan a Deckard que también hay que "retirar" a Rachael. Convenientemente, Deckard observa a Rachael a lo lejos pero, mientras la sigue, Leon le desarma repentinamente, y Deckard recibe una paliza. Rachael dispara a Leon, salvando la vida de Deckard y ambos se dirigen al apartamento de Rick, donde discuten las opciones que tiene Rachael. En un tranquilo instante de intimidad musical, ambos se empiezan a enamorar.
Entretanto, Roy llega al apartamento de Sebastian y se vale del encanto de Pris para convencer a Sebastian de ayudarle a reunirse con Tyrell. Ya en la habitación de Tyrell, Roy demanda que prolongue su vida y pide perdón por sus pecados. Al no ver satisfecha ninguna de sus solicitudes, Roy asesina a Tyrell y Sebastian.
Deckard es enviado al apartamento de Sebastian después de los asesinatos. Allí, Pris le prepara una emboscada, aunque Deckard consigue dispararle tras una lucha. Roy regresa, atrapando a Deckard en el apartamento, y comienza a perseguirlo a través del edificio Bradbury hasta llegar al tejado. Deckard intenta escapar saltando a otro edificio quedando colgado de una viga. Roy cruza con facilidad y mira fijamente a Deckard — en el momento en que éste se desprende de la viga, Roy lo sujeta por la muñeca, salvándole la vida.
Roy se está deteriorando muy rápidamente (sus 4 años de vida se acaban), se sienta y relata con elocuencia los grandes momentos de su vida concluyendo: "Todos esos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir". Roy muere dejando escapar una paloma que tiene en sus manos, mientras que Deckard le mira en silencio. Gaff llega poco después, y marchándose, le grita a Deckard: "Lástima que ella no pueda vivir, pero ¿quién vive?".
Deckard regresa a su apartamento y entra con cuidado, cuando nota que la puerta está entreabierta. Allí encuentra a Rachael, viva. Mientras se van del lugar, Deckard encuentra un origami que ha dejado Gaff (señal de que se les ha permitido escapar). Finalmente, la pareja se dirige a un futuro incierto.

A pesar de tener el aspecto de una película de acción, Blade Runner contiene un número inusualmente amplio de niveles dramáticos. Como obra del género cyberpunk le debe mucho al cine negro, pues contiene y explora convenciones tales como la mujer fatal, la narración en primera persona a lo Raymond Chandler (narración que no se encuentra en versiones posteriores) y la cuestionable perspectiva moral del héroe — extendido aquí para incluir el lado humano del personaje, así como la cinematografía oscura y de sombras.
Es una de las películas de ciencia ficción mejor escritas en ambos temas — pues abarca temas como la filosofía de la religión y las implicaciones éticas que conlleva el dominio de la ingeniería genética, dentro del contexto del drama clásico griego y sus nociones del hibris[4] — y literario, dibujando la poesía de William Blake y la Biblia. Blade Runner también muestra una partida de ajedrez basada en la famosa Inmortal de 1851. (Interponen al rey y la dama en el lado de Tyrell, una posición que un Gran Maestro no intentaría).
El mundo de Blade Runner representa un futuro cuya distancia ficticia de la actual realidad se ha reducido, mientras el 2019 se aproxima. La obra penetra en las implicaciones futuras de la tecnología en el ambiente y la sociedad, acercándose al pasado con el uso de la literatura, el simbolismo religioso, los temas dramáticos clásicos y el cine negro. Esta tensión entre pasado, presente y futuro es evidente en el futuro adaptado de Blade Runner, donde la alta tecnología resplandece en lugares, mientras que el resto es decadente y viejo.
Hay un alto nivel de paranoia presente en el film, con la manifestación visual del poder de las transnacionales, la policía omnipresente, las luces de las sondas; y en el poder sobre el individuo, representando particularmente por la programación genética de los replicantes. El control sobre el ambiente es observado a gran escala, pero también como cuando los animales son creados como meros artículos. Este contexto opresivo clarifica por qué muchas personas se van a las colonias exteriores, un paralelismo con la migración al continente americano. Las predicciones populares de los años '80, donde Estados Unidos es sobrepasado económicamente por Japón, se reflejan en el dominio de la cultura y publicidad japonesa en la ciudad de Los Ángeles de 2019. También la película hace un uso intensivo de los ojos y las imágenes manipuladas, como llamadas de atención sobre la realidad y la capacidad de percibirla.
Todo esto proporciona una atmósfera de incertidumbre para el tema central de Blade Runner: examinar lo humano. Para descubrir a los replicantes, se utiliza una prueba de empatía, con preguntas centradas en el tratamiento a los animales; esto funciona como indicador esencial de la "humanidad" de alguien. Los replicantes son puestos como personajes apáticos, y mientras que los humanos muestran pasiones y preocupaciones por otros, la masa de la humanidad en las calles es fría e impersonal. La película va tan lejos como para poner en duda la naturaleza de Deckard y obligar a la audiencia a reevaluar qué significa ser humano.

La banda sonora de Blade Runner, compuesta por Vangelis, es una combinación melódica y oscura de la composición clásica y los sintetizadores futuristas que reflejan el futuro retro y de cine negro que Ridley Scott imaginó. Vangelis, recién galardonado con el Oscar por Chariots of Fire, compuso y ejecutó la música con sus sintetizadores. El paisaje musical de 2019 fue creado dentro del modo espacial de Vangelis en la música New age, como en otros álbumes suyos.
A pesar de la buena acogida por parte del público y la crítica — nominada en 1983 al premio BAFTA y el Globo de Oro como mejor banda sonora original — y la promesa de un álbum con la banda sonora por parte de Polydor Records al final de los títulos de créditos, el lanzamiento de la grabación original se retrasó durante más de una década.
Hay dos publicaciones oficiales de la música de Blade Runner. A consecuencia de la carencia de un lanzamiento del disco, la New American Orchestra grabó una adaptación orquestal en 1982, con poca semejanza a la original. Algunos cortes de la película saldrían en 1989 a partir del recopilatorio Themes, pero no sería hasta la presentación del Director's Cut de 1992 cuando aparecerá una cantidad sustancial de la banda sonora.
Sin embargo, mientras la mayoría de las pistas del álbum eran de la película, había unas cuantas que Vangelis compuso, pero no fueron finalmente utilizadas y algunas nuevas piezas musicales. La mayoría no consideraban esto como una representación satisfactoria de la banda sonora.
Estos retrasos y las pobre reproducciones generaron una cantidad importante de bootlegs durante años. Una de esas cintas piratas apareció en 1982 en las convenciones de ciencia ficción y llegó a ser popular debido al retraso del versión oficial; y en 1993 , Off World Music, Ltd. creó un CD pirata que resultaría más extenso que el disco oficial de Vangelis. Un disco de Gongo Records presentaba el mismo material, pero con una calidad de sonido algo mejor.
En 2003, otros dos bootlegs aparecieron, el Esper Edition, precedido por Los Angeles — November 2019. El "Esper Edition" contenía dos discos combinando los temas oficiales, lo del disco de Gongo y los propios de la película. Finalmente, "2019" era una compilación, en un sólo disco, que consistía en casi todos los sonidos ambientales de la película, junto algunos sonidos del juego de Westwood "Blade Runner".

CURIOSIDADES

Deckard sólo "retira" dos replicantes, ambas mujeres.
La fecha de creación de Pris es el día de San Valentín.
El periódico que aparece en el cajón de la casa de Leon es el mismo que Deckard lee al principio de la película.
La foto en la que salen Rachel y su madre parece tener vida y se oye de fondo los gritos de los niños jugando.
El teatro situado enfrente de la casa de J.F. Sebastian estrena la obra: "If you sent this information in, can you contact me again?", que fue escrita por la mujer de Ridley Scott.
Los personajes tienen relación con un animal:
Deckard - Unicornio
Leon - Tortuga
Roy - Lobo
Zhora - Serpiente
Rachel - Araña
Tyrell - Búho
Sebastian - Ratón
Pris - Mapache
El Spinner (vehículo volante) tiene características de aviones de combate como el Sea Harrier de despegue vertical.
Las figuras de papel de Gaff tienen un significado:
Gallina - El temor de Deckard de aceptar la misión.
Hombre con erección - Excitación por investigar / deseo por Rachel.
Unicornio - Ser fantástico, pero no real: Rachel.
La escena final de la película es del film "El Resplandor". En la versión con final feliz.
La lámpara del despacho de Bryant está formada por fotos de una cacería de Búfalos.
La pieza que interpreta al piano Rachel es: Concerto en D mayor para guitarra, cuerda y contínuo, de Antonio Vivaldi.
Los números de serie de los replicantes son sus características. Ej.: Leon -> N6MAC41717 = Nexus 6, macho, A-Físico, C-Mental nacido el 4/17/17.
Alusiones a los ojos continuamente (escena inicial, test VK, maquillaje, muerte de Tyrell, comentarios como: "He VISTO cosas que no creeríais...", etc.).
Roy se clava un clavo en la mano, signo de crucifixión cristiana. Esta escena está duplicada, aparece en la cabina de teléfonos, antes de entrar en el laboratorio de ojos, y en la escena final.
Rutger Hauer se presentó al rodaje con el pelo completamente blanco por iniciativa propia. A Scott le encantó la idea y aceptó el cambio de aspecto del actor.
Asimismo, el texto de la escena final "He visto..." y "lágrimas en la lluvia" es creación del mismo Hauer.
En la escena final, hay una incosistencia en los fondos y luz cuando Roy Batty suelta la paloma. La misma, durante el rodaje, se empapó por el agua, de forma que sus alas no podían batir y alzar el vuelo. Así pues, tuvieron que rodar el vuelo en otro momento, y para entonces la luz había cambiado.
En la escena final Harrison Ford, como Deckard, aparece realmente exhausto. Después de rodar la escena una y otra vez, ¡en realidad Ford estaba exausto!
Los ojos brillantes revelan a los replicantes, tanto animales como humanoides. En un plano muy corto puede verse el mismo efecto en los ojos de Deckard cuando está hablando con Rachel en su apartamento. A partir de ahí se han sugerido decenas de argumentos a favor de que Deckard es, en realidad, un replicante.
El hecho de que Gaff realice un unicornio en papel indica que conoce el sueño de Deckard. Por tanto, se apoya también la posibilidad de que éste sea un replicante con recuerdos implantados.
El cartel de la película fue hecho por el ilustrador Luis Royo.
Drew Struzan realizó ilustraciones basadas en la película.
En la ultima pantalla del juego Sonic The Hedgehog para Mega Drive, el tema que suena de fondo es muy parecido al de Vangelis que se escucha en los créditos de Blade Runner, curiosamente la fase en si guarda ciertas similitudes con el ambiente de la película, como son las chimeneas que expulsan fuego.
La relación de Deckard con las protagonistas femeninas de la película puede verse como una relación con muñecas:
Rachel, una muñeca decorativa, mitad geisha complaciente, mitad pinup elegante y sensual.
Zhora, que al morir se convierte en un maniquí más del escaparate.
Pris, camuflada como muñeca antes de atacar y rota, en el suelo, tras ser retirada.
La voz del tema Tales of the Future de la banda sonora oficial es de Demis Roussos.

DISTOPÍA

Utopía negativa donde la realidad transcurre en términos opuestos a los de una sociedad ideal, es decir, en una sociedad opresiva, totalitaria o indeseable. El término fue acuñado como antónimo de utopía y se usa principalmente para hacer referencia a una sociedad ficticia (frecuentemente emplazada en el futuro cercano) en donde las tendencias sociales se llevan a extremos apocalípticos.

De acuerdo al Oxford English Dictionary, el término fue acuñado a fines del siglo XIX por John Stuart Mill, quien también empleaba el sinónimo creado por Bentham, cacotopía, al mismo tiempo. Ambas palabras se basaron en el término utopía, acuñada por Tomás Moro como ou-topía o lugar que no existe, normalmente descrito en términos de una sociedad perfecta o ideal. De ahí, entonces, se deriva distopía, como una utopía negativa donde la realidad transcurre en términos antitéticos a los de una sociedad ideal. Comúnmente, la diferencia entre utopía y distopía depende del punto de vista del autor de la obra o, en algunos casos, de la recepción del propio lector, que juzgue el contexto descrito como deseable o indeseable. os textos basados en distopías surgen como obras de advertencia, o como sátiras, que muestran las tendencias actuales extrapoladas en finales apocalípticos. En ese sentido difieren de las utopías, que no se basan en la sociedad actual, sino que transcurren en una época y un lugar remotos, o indeterminados, o luego de una ruptura de la continuidad histórica.

Distopías en la literatura

La máquina del tiempo, de H. G. Wells (1895)
El talón de hierro, de Jack London (1908)
La peste Escarlata, de Jack London (1912)
Nosotros, de Evgeny Zamiatin (1924)
Un mundo feliz, de Aldous Huxley (1932)
La guerra de las salamandras, de Karel Čapek (1936)
Vivir (1938), de Ayn Rand.
La Trama Celeste (1942), de Adolfo Bioy Casares.
1984, de George Orwell (1949)
Fahrenheit 451, de Ray Bradbury (1953)
Mercaderes del espacio, de Frederik Pohl y Cyril M. Kornbluth (1954)
Soy Leyenda, de Richard Matheson (1954)
La naranja mecánica, de Anthony Burgess (1962)
¡Hagan sitio!, ¡hagan sitio!, de Harry Harrison (1966)
¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?, de Philip K. Dick (1968)
El mundo interior, de Robert Silverberg (1971)
Rascacielos, de J.G. Ballard (1975)
1985, de John A. Burgess (1978)
El fugitivo, de Stephen King escrita bajo el seudónimo de Richard Bachman (1982)
The Stand, (Apocalipsis) de Stephen King (1978)
La Larga marcha, de Stephen King (1979)
Neuromante, de William Gibson (1984)
V de Vendetta, novela gráfica de Alan Moore y Dave Lloyd (1981 - 1988)
El cartero, de David Brin (1985).
El Regreso del Caballero Nocturno, novela gráfica de Frank Miller (1986)
Watchmen, novela gráfica de Alan Moore y Dave Gibbons (1986)
Las Torres del Olvido, de George Turner (1987)
Akira, manga de Katsuhiro Otomo (1982 - 1993)
The Children of Men, de P.D. James (1992)
Guerracivilandia en ruinas, de G. Saunders (1996)
Battle Royale, de Koushun Takami (1999)
Nunca me abandones, de Kazuo Ishiguro (2005)
El breve y espantoso reinado de Phil, de G. Saunders (2005)
TimeXplorers, de J. Vedovelli (2007)

Distopías en el cine

Metrópolis, de Fritz Lang (1927)
1984 de Michael Anderson primera versión de la obra de George Orwell 1956
La jetée, de Chris Marker (1962)
El último hombre sobre la tierra, de Ubaldo Ragona basado en la novela Soy Leyenda de Richard Matheson
Alphaville, una extraña aventura de Lemmy Caution, (Alphaville, une étrange aventure de Lemmy Caution), de Jean-Luc Godard (1965)
Fahrenheit 451, de François Truffaut (1966) (basada en la novela homónima)
La naranja mecánica (A Clockwork Orange), de Stanley Kubrick (1971) (basada en la novela homónima)
El último hombre vivo de Boris Sagal badado en la novela Soy Leyenda de Richard Matheson
Naves misteriosas (Silent Running), de Douglas Trumbull (1972)
Cuando el destino nos alcance (Soylent Green), de Richard Fleischer (1973) (basada en ¡Hagan sitio!, ¡hagan sitio!)
Zardoz, de John Boorman (1974).
La Fuga de Logan, de Michael Anderson (1976), basada en la novela de William F. Nolan y George Clayton Johnson.
Mad Max, de George Miller (1979).
Blade Runner, de Ridley Scott (1982) (basada en ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?)
1984 (Nineteen Eighty-Four), de Michael Radford (Basada en 1984 de Eric Arthur Blair).
Brazil, de Terry Gilliam (1985)
Acción Mutante, de Alex de la Iglesia (1993)
Demoledor, dirigida por Marco Brambilla (1993)
Doce monos (Twelve Monkeys), de Terry Gilliam (1995) (basada en La jetée)
Ghost in the Shell (攻殻機動隊), de Mamoru Oshii (1996) (basada en el manga homónimo)
Gattaca, de Andrew Niccol (1997)
Mensajero del futuro de Kevin Costner(1997) basado en la novela "El cartero" de David Brin
Dark City, de Alex Proyas (1998).
Nivel 13 (The Thirteenth Floor) de Josef Rusnak (1999).
The Matrix, de los hermanos Wachowski (1999)(inspirada en parte en Ghost in the Shell)
Sexto Día, de Roger Spottiswoode (2000)
Battle Royale, de Kinji Fukasaku (2000)(basada en la novela de Koushun Takami)
Equilibrium, dirigida por Kurt Wimmer (2002)
Minority Report, dirigida por Steven Spielberg (2002)
FAQ: Frequently Asked Questions, de Carlos Atanes (2004)
Serenity, dirigida por Joss Whedon (2005) Basada en la serie de TV Firefly.
Aeon Flux, de Karyn Kusama (2005) Basada en la serie de animación del mismo nombre.
V de Vendetta (V de Venganza), de James McTeigue (2006) Basada en el comic V de Vendetta publicado en el año 1988 con Alan Moore como guionista y David Lloyd como dibujante.
La isla de Michael Bay
Hijos de los hombres, de Alfonso Cuarón (2006). Basada en la novela homónima de P. D. James

Amiga de Michel Houellebecq

Sus referencias
Baudelaire, El mejor de los mundos de Aldous Huxley, American psycho de Brett Easton Ellis, Kant, Auguste Comte, La montña mágica de Thomas Mann, The Book of Kells y... "Pif le chien".

El mundo de Michel Houellebecq
Jimi Hendrix, Neil Young, Schubert, Françoise Hardy, Leonard Cohen, Brian Wilson y les Beach Boys, David Crosby. Le ron-gengibre, los cigarrillos, Monoprix.

Biografía

Michel Houellebecq nació el 26 de febrero 1958 en La Réunion. Su padre, guía de alta montaña, y su madre, médico anestesista, pronto se desinteresan de su existencia. Una media hermana nace cuatro años después. A los seis años, es confiado a su abuela paterna, comunista, y de la que adopta el nombre como seudónimo. Vive a Dicy (Yonne), y luego a Crécy-la-Chapelle. Es interno en el Liceo de Meaux durante siete años. Su abuela muere en 1978. En 1980, obtiene su diploma de ingeniero agrónomo. El mismo año se casa con la hermana de un "compañero". Empieza entonces un período de cesantía. Su hijo Etienne nace en 1981. Se divorcia. Una depresión lo lleva a internarse varias veces en "medio psiquiátrico". Su carrera literaria empieza a los veinte años. Frecuenta círculos poéticos. En 1985 conoce a Michel Bulteau, director de la Nouvelle Revue de París, quien publica sus primeros poemas. Es el comienzo de una gran amistad. Bulteau le propone participar a la coleccion "Les Infréquentables" que creó en las "Editions du Rocher". Así es como se publica, en el año 1991, "Lovecraft, contre le monde, contre la vie". Integra la Asamblea Nacional como secretario administrativo. El mismo año aparece "Seguir vivo", en las "Editions de la Différence", y luego, con este mismo editor, el primer conjunto de poemas: "La búsqueda de la felicidad", que obtiene el premio Tristan Tzara. Conoce a Marie-Pierre Gauthier. En 1994, Maurice Nadeau publica "Extensión del ámbito de la Lucha", su primera novela, actualmente traducida a varios idiomas. Este libro lo acerca a un público más amplio. Colabora con varias revistas (L'Atelier du Roman, Perpendiculaires -de donde es luego excluído, Les Inrockuptibles). A partir de 1996, Michel Houellebecq publica bajo "Flammarion", donde Raphael Sorin es su editor. Su segundo conjunto de poemas, "El sentido del combate", obtiene el premio de Flore 1996. Sus obras "Seguir vivo" y "La búsqueda de la felicidad"-revisada para la ocasión- son reeditadas en un volumen en 1997. En 1998, recibe el Gran Premio nacional de Letras Jóvenes Talentos por el conjunto de su obra. "Intervenciones", conjunto de textos críticos y de crónicas, y "Las Partículas elementarias", su segunda novela (Premio Noviembre, traducida a más de 25 idiomas), aparecen simultáneamente. Se casa con Marie-Pierre. En 1999, co-adapta para el cine "Extensión del ámbito de la lucha" junto a Philippe Harel, dirigida por este último. Publica "Renacimiento", nueva antología de poemas. En la primavera del 2000 saca un álbum en el que sus poemas, grabados por él mismo, son acompañados por la música de Bertrand Burgalat y Jean-Claude Vannier. Michel Houellebecq vive actualmente en Irlanda, cerca de Dublin. Trabaja en un proyecto de libro sobre Lanzarote -fotografías y textos- para el otoño 2000.

Revista El Planeta (Mayo de 2000):

"Elegía al hombre. Michel Houellebecq" por Rafael Martínez.

Michel Houellebecq, el escritor polémico de moda en Francia ha desatado pasiones y discusiones en el panorama literario del continente europeo. Con su segunda y última novela, Las partículas elementales (Anagrama), la polémica y la división de opiniones han vuelto a espolear la escena de las letras carente desde hacía mucho tiempo de un escritor que fuera capaz de remover conciencias, de hacernos pensar, tanto si compartimos sus tesis, su particular forma de ver la vida, como si no. Ya en su anterior trabajo, y opera prima, "Ampliación del campo de batalla" (también editada por Anagrama en España), Houellebecq repartía a diestro y siniestro contra el capitalismo más salvaje –ese neoliberalismo tan en boga y que, según el escritor lo ha convertido todo, incluyendo el amor en particular, los sentimientos en general, el sexo también, en pequeñas parcelas de mercado. En Las partículas elementales, la crítica se centra en el Mayo del 68 francés y en la liberación sexual como una de sus consecuencias. Para el autor, esta pretendida liberación desnaturalizó al hombre, todavía inmaduro, y con ella la sociedad que surgiría a posteriori. O, mayor liberación individual, mayor desesperación. No en vano, el cuadro que presenta al inicio de la novela lo dice todo: una mujer burguesa, madre de dos hijos, reconvertida en hippie, abandona a éstos en busca de la liberación sexual. Y que conste que Las partículas elementales tiene buena parte de autobiografía.
"Este libro está dedicado al hombre". Preguntado a propósito de la actitud de los personajes de sus novelas, Houellebecq afirma que éstos no son seres abocados al vacío del llamado absurdo existencialista; sino que, en contraposición, son seres que no están absoluto contentos con lo que les ha deparado la vida, pero que han persistido en ella, y de ahí esa búsqueda (y posterior denuncia) de los problemas de la sociedad francesa actual -y por ende, de la sociedad occidental- que han provocado el malestar del individuo, sumido en la soledad, condición que enfatiza al titular su segundo libro y que resulta de las consecuencias –según él- de esa pretendida (en cualquier caso malograda) revolución, la del Mayo francés. Hemos llegado a un punto, pues, en el que el hombre es incapaz de amar, pues su hastío es mayor que la capacidad de relacionarse de una manera normal con los demás; y así, además, evitar las complicaciones propias de la búsqueda del amor, del sexo. El sarcasmo es un recurso propio de Houellebecq para, llegado el momento, proponernos una solución: ahí aparece entonces la clonación del ser humano. La desesperación es ya total, no hay remedio, no hay futuro.
A consecuencia de todo esto, es fácilmente comprensible que la polémica estallara en Francia y, posteriormente en otros países, en forma de debates, de pronunciamientos a favor y en contra, siendo Houellebecq tachado de "reaccionario" por sus más firmes detractores y, por el contrario, agasajado por otros, como el diario Le Monde que, a propósito de su candidatura para el Prix Goncourt, premio que mantiene en vilo a la sociedad literaria francesa a lo largo de todo un año, apostó por él, aunque finalmente no le fuera concedido (sí obtuvo, sin embargo, el Prix Novembre). Mientras tanto, las cifras de venta de "Las partículas elementales" se han disparado, convirtiéndose en un fenómeno social y editorial que ha sorprendido a editores y aun a la crítica, que tanto ha desdeñado el fenómeno Houellebecq por considerar que su literatura no es buena. Allá ellos…
"Presencia humana". Comparable a otros autores como Louis-Ferdinand Céline por su insolencia y fuerza en la narración, al Georges Perec de "Un hombre que duerme" –un libro en el que, un buen día, el narrador, que lo hace en primera persona, es víctima de una repentina lucidez que le revela verdades como que todo está dicho o hecho, la soledad del hombre; y de ahí la indiferencia para con su entorno y su vida anterior ante el descubrimiento- o a un Emil Michel Cioran por la aceptación de un mundo trágico, podrido, inexorablemente perdido para siempre, a Houellebecq todavía le queda tiempo para poner voz a unas canciones en las que, lo más que hace es susurrar, tararear, hablar con esa voz cansina que delata a un hombre tímido y hastiado, depresivo y cansado, entre otros epítetos que no podríamos rechazar. El disco, "Présence humaine", empieza a escucharse con voracidad por los lectores que han encontrado en Houellebecq un estandarte, un icono en el que mirarse y comparar con sus propias vidas; y comprobar que sí, que más de uno podría suscribir lo que dice este francés de aspecto enfermizo. Y no es que lo diga yo, no, que se sepa ya es todo un fenómeno, un Perry Blake o un Jay Jay Johanson de las letras a punto de ser consagrado, la misma melancolía en la voz.

homeworks

(Junio'07) - LA POSIBILIDAD DE UNA ISLA

RESEÑA: Este libro es una narración en primera persona de la vida de un bufón contemporáneo, un cómico de mucho éxito que se retira del espectáculo para vivir como un jubilado centroeuropeo en una zona cálida de la costa española. El problema de la clonación humana y el afán de inmortalidad, canalizado a través del mundo de las sectas, son dos asuntos clave en toda la novela. La desmitificación de la faramalla feminista, comunitarista e izquierdista también es digna de ser recordada.

(Por Agapito Maestre). El autor ejercita la crítica sin piedad alguna; un ejemplo demoledor de ese sano ejercicio son los comentarios, en la primera parte, sobre las revistas del corazón, que consiguen crear una humanidad artificial para consumo de imbéciles que jamás serán sensibles ni a la seriedad ni al humor. Pero recomiendo la lectura de La posibilidad de una isla porque Houellebecq plantea aquí problemas morales y políticos muy actuales y, sobre todo, porque habla de España. En esta novela aparece España en vivo y en directo. Aparece hasta la Guardia Civil. Aparece David Bisbal y una mujer española representativa de la generación X, desinhibida y promiscua, que rara vez utiliza ropa interior. Aparecen las nuevas formas de vida de los españoles, y sus conflictos generacionales. Aparecen descripciones interesantes de los garitos de prostitución de las carreteras españolas, y retratos exactos y tristes de sus visitantes. Houellebecq, como el que no quiere la cosa, muestra con desparpajo nuestros cambios culturales, nuestra flojera intelectual y hasta nuestros desvaríos morales. Es una novela escrita de un modo tan provocador, sugerente e inteligente que rebasa permanentemente las obviedades y el lenguaje políticamente correcto de nuestros creadores y novelistas. No entro en la valoración de la calidad literaria del texto, sino en su oportunidad política. Más aún: considero que tiene un lenguaje más pertinente que las ciencias sociales hispánicas y la narrativa española de hoy para captar e interpretar la realidad política de España, en particular, y Europa, en general.

Dudar de que, a veces, la literatura, no digamos el cine, puede captar mejor los problemas políticos que las ciencias sociales o los saberes políticos es una ingenuidad. Un prurito doctrinario del que está de vuelta de la nueva ciencia política, o sea, de quien sabe que la novedad no se capta sin un método clásico y "novedoso" a la vez, que no puede ser otro que el de la sagrada literatura. La creación literaria nunca ha necesitado transfusión de otros saberes para captar la realidad. La literatura es una dimensión imprescindible de la vida pública. Por eso, cuando hablamos o escribimos de la novela de Houellebecq podemos prescindir de las relaciones, ficticias o reales, del autor con la secta raeliana, o como se llame. No interesa. Sólo la novela se sobrepone a la "vida" del autor. Sólo la novela, sin necesidad de hablar de su autor, habla, escribe, en fin, crítica de modo acertado, a veces genial, una civilización sin pulso. Por lo tanto, el mensaje de la novela no puede ser otro que el schopenhaueriano, o sea, una forma real y pesimista de comprender al hombre de hoy y, sobre todo, al hombre que vendrá. Mensaje, sí, pesimista, pero absolutamente razonado y visible. Novela muy bien estructurada: continua alternancia entre el relato de la vida de Daniel 1, el hombre de hoy, y los Daniel 24 y 25, que viven dos mil años después, que lo leen y comentan. Son los hombres y sus clones.

He aquí la obra de un francés, Michel Houellebecq, que escribe desde San José, en Almería, sobre paisajes naturales y urbanos de España. La geografía física española está tan presente como la humana. Ejemplos de la primera son los recuerdos, que van, por ejemplo, desde el cabo de Gata hasta Lanzarote, pasando por el pico de Mulhacén y Sierra Nevada, Zaragoza y Madrid. Sí, Houellebecq escribe en francés con una clave genuinamente española, que sin embargo han descuidado por completo nuestros correctos y vacíos narradores. Este francés atípico ha escrito una novela interesante para España. A falta de una narrativa fuerte española, que ni de lejos se aproxima a la británica actual, propongo leer este libro como si se tratara de unos nuevos "episodios nacionales". Por supuesto, al lado de esa clave española, la obra de Houellebecq representa una de las críticas más serias que pueden hacerse en la actualidad a una sociedad por su falta de pulso moral. Los problemas morales –derivados especialmente de la clonación– que plantea no son menos graves que los problemas políticos de una sociedad sin valores morales. En este punto, la crítica a la sociedad francesa es implacable. Por lo demás, comparto la acertada crítica de Houellebecq a una civilización, la europea, sin pulso. El pesimista diagnóstico sobre la especie humana, sin embargo, va acompañado, a veces, de una propuesta clásica: afirmación, por un lado, de la fuerza del amor frente a los impulsos primarios y reivindicación; por otro, del ansia de inmortalidad. Vuelta a la genuina religión. No puedo dejar pasar, aunque sólo sea para terminar, una crítica. Me refiero a su lenguaje escaso, que hace que, a veces, el estilo se resienta hasta la vulgaridad.